sábado, 21 de mayo de 2011

CRÍTICA// Desdoblando los Mapas de Vetusta

Laura Martín Sastre// Encontrarse con Vetusta Morla es descubrir el universo mágico de un grupo de amigos, un  mundo representado por seis personas diferentes, en su forma de vestir, de moverse y de comunicarse. Cierto mix de seis personalidades que se refleja directamente en cada una de las aristas de Mapas, cuya primera escucha teletransporta el espíritu a aquellas primeras letras de Un día en el mundo, el debut de Vetusta, que tardaba diez años en ver la luz y que los descubría al mundo y ¡de qué modo! Pucho es el responsable de una voz que no deja a nadie indiferente, y que en Mapas se vuelve críptica por momentos, envolviendo el conjunto de canciones en cierto halo de misterio, e incluso ocultamiento, que parece irse diluyendo conforme se va disfrutando de cada una de las doce canciones, que para muchos, se han convertido ya en doce pequeños regalos, regalos por abrir, monedas que al girar, descubran un perfil...
 Vetusta Morla

El primer regalo Los días raros anticipan a unos Vetusta alejados de complicaciones melódicas, con un inicio a piano de creciente excitación, quebrado por la llegada de una voz, apacible y levemente perturbadora, que no deja más que espacio para el ansia de continuar conociendo Mapas. Sencillez inicial para entrar en el universo de carreteras por las que girar este verano, entre letras grandilocuentes y con referencias a la cultura española, como la cita a Buñuel en Baldosas Amarillas, canción que agrupa inicialmente un estilo psicodélico, ensoñador, con giros de voces que acompañan del mejor modo una letra hipnótica.
En el río se ha convertido ya en su primer single, una canción que si en la primera escucha no consigue engancharte sobremanera, conforme pasan las escuchas se puede ir descubriendo una fuerza particular, esencial en muchas canciones de Vetusta Morla, potenciada por un carácter decidido impreso en cada nota y cada estrofa…la orilla es una jaula, hay muchos gallos de pelea. Suenan cantos de sirena, se dan muerte a garrotazos, una estampa muy goyesca. Más rítmica de inicio, y de fin, es El hombre del saco, más rápida y con una letra magnética que la hace una de las grandes.

Portada del disco Mapas

Mapas es el recorrido, sin duda, por la evolución de un grupo que ha dejado marcado su forma de pensar y sentir en sus letras, que ha querido representar su segundo trabajo con una constelación, cuyos puntos se une por líneas, como caminos, algunos ya recorridos, otros muchos aún por descubrir. Es mejor ni imaginarse su directo, será cuestión de vivirlo en los próximos meses, acompañando a estos seis amigos mientras los Mapas se dediquen a girar por nuestro país. Y bailar como un lazo en un ventilador....
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FICHA TÉCNICA
Disco: Mapas
Discografía completa: Un día en el mundo (2008), Mapas (2011)
Grupo: Vetusta Morla (vetustamorla.es)
Fecha de lanzamiento: 23 de mayo de 2011
Fechas de gira: Madrid, 18 de junio de 2011 en Matadero de Madrid.

martes, 17 de mayo de 2011

Artículo de OPINIÓN// La revolución de las pequeñas cosas

Javier Calderero// Hoy no os traigo ni último estreno ni el último blockbuster o best-seller, sino una pequeña obra de la literatura latinoamericana que me descubrieron hace poco, “La mujer habitada” de Gioconda Belli.

Su protagonista, Lavinia, es una mujer que quiere cortar con una vida acomodada donde su apellido es su carta de presentación. Abandona una vida de lujos y seguridad para convertirse en lo que siempre quiso, una arquitecta independiente. Esto no sería nada extraño en la actualidad, pero sí en una época en la que la mujer no gozaba de total libertad. Además, Faguas (ciudad en la que vive) está gobernada por la mano de un dictador. Al entrar en contacto con un grupo revolucionario que intenta acabar con este poder, su mundo cambia radicalmente.

“La mujer habitada” hace referencia al espíritu de Itzá, una indígena que luchó contra los colonizadores españoles por defender sus tierras, y que a través de la madre naturaleza, consigue conectar con Lavinia. Ambas son mujeres adelantadas a su tiempo que se desmarcan del orden establecido y luchan por lo que creen y aman, su pueblo y la liberación.

La obra es un canto a la libertad, y en concreto, a la femenina. Sus protagonistas son dos mujeres que hacen de su vida una lucha contra la tiranía de un mundo regido por hombres. Con sus proezas pudieron cambiar el rumbo de la Historia cuando en principio eran dos personas insignificantes.

De ello podemos sacar una enseñanza muy clara, y es que las pequeñas acciones también llevan a hacer grandes cosas. Lavinia creía que su trabajo en el Movimiento estaba muy por detrás del de sus compañeros, pero nada más lejos de la realidad, su labor es clave en todo momento.

La reflexión va pareja a su lectura. Lavinia era una mujer que podía haber girado la cara y no ver lo que estaba sucediendo en su país, algo que creo que en la actualidad le pasa a nuestra sociedad, y en especial a los jóvenes. Estamos muy acomodados en un estado del bienestar basado en una democracia por la que nosotros no peleamos y que tenemos desde que nacimos. Aunque vivamos bajo una dictadura, sí existen problemas que podríamos intentar solventar con las herramientas que nos proporciona la libertad en la que vivimos (obviamente no las armas, como sí tuvo que utilizar Lavinia). Sin embargo, esto no es así. ¿Qué tendría que pasar para que nuestra concepción de la vida cambiara como le ocurrió a “la mujer habitada”?




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FICHA BIBLIOGRÁFICA


Título: La mujer habitada
Autor: Belli, Gioconda
Materia: Narrativa Latinoamericana
Idioma: Español

sábado, 14 de mayo de 2011

OPINIÓN// ARTES PLÁSTICAS// ¿Gore = cultura? Sí, queridos

Hannah Mitchell//  Muerte. Esencia del último aliento del alma. Pluma y tinta de las más bellas lecturas. Trazo inequívoco de los lienzos más grotescos. Fórmula del éxito para películas mediocres, pero al fin y al cabo, taquilleras. Muerte : el temor más rentable de la historia de la Humanidad. Fuente inagotable de cultura.

Escalofrío, pena y admiración hacia tal arranque de genialidad (morbosa e incluso demente).
La dama de negro vuelve a pasear su guadaña estos días por la capital en una polémica exposición que huele y sabe a ella, a muerte. Mi afirmación no forma parte de otra treta más por embellecer el lenguaje de un escrito cualquiera. Afirmo que huele y sabe a muerte porque aún me es difícil desprenderme de los sentimientos encontrados que florecieron en mí hace unos años tras asistir a la misma exposición, por aquel entonces, situada en Colón. 

Pieza de la colección de 'Human Bodies'

La exposición, compuesta por una decena de cuerpos completos y cerca de un centenar de órganos reales y tratados con una técnica denominada 'plastinación forman', se podrá visitar a partir de este jueves, en el Al-Place (Pabellón XII) del recinto de la Casa de Campo gestionado, según el Boletín de Madrid Espacios y Congresos consultado por Europa Press.

Bajo un supuesto  fin pedagógico, la muestra transporta a los atrevidos visitantes a un fascinante recorrido por el interior del cuerpo humano. 'Human Bodies', que ocupará la planta alta del Al-Place (Pabellón XII), está estructurada en 8 salas en las que se podrán ver desde el desarrollo humano a los sistemas óseo, muscular, respiratorio, circulatorio, digestivo, nervioso y urinario-reproductor.

Toda una visceral lección sobre el cuerpo humano. En vivo y en directo. Al más puro estilo de las películas gore de “aquellos maravillosos años 90”.
Ignoro por completo la verdadera finalidad de tal arranque de genialidad.
Recuerdo detenerme horrorizada ante ‘la pieza 9’. Allí estaba ella. Llamémosla Carmen. Probablemente de mi edad, de mi misma estatura y ojos azules. Posiblemente fuese una consumidora empedernida de música indie, habitual de los festivales de verano, roedora de libros de literatura judía contemporánea,amante de la obra de David La Chapelle y una de las pocas personas que asistían a la filmoteca a empaparse del arte del blanco y negro. Cabe la posibilidad de que Carmen hubiese sido una devoradora feroz de la cultura. Ahora, la cultura la había devorado a ella. Literalmente.
Dispuesta como esos maniquíes que todos hemos tenido en clase de ciencias naturales, Carmen mostraba al mundo la plenitud de su ser. Del que había sído. Carmen formaba parte de la cultura. Y yo había pagado por verla.
No sé si Carmen seguirá siendo la pieza número 9. Posiblemente sí. Esta vez no iré a comprobarlo.  Pero os animo a todos y cada uno de los asiduos a esta escafandra de papel a que lo hagáis. Quizá, después de vuestra visita podáis contestar a la pregunta inicial de este artículo de opinión. Al hilo de este incómodo tema, el escritor francés François Mauriac me ayuda a sentenciarlo: La muerte no nos roba los seres amados. Al contrario, nos los guarda y nos los inmortaliza en el recuerdo.


Lo gore es cultura, queridos míos.

lunes, 9 de mayo de 2011

OPINIÓN// El Madrid festivalero

Laura Martín Sastre// ¿Quién habló de los festivales de verano? Eso de esperar a las vacaciones es cosa del pasado. Madrid es, ahora también, ciudad para los festivales. Aquí no hay playa, cierto. Pero sí hay música. Podría decirse que cada noche, en las decenas de salas que se reparten por las calles de la capital, a los que se suman grandes conciertos que se reparten en los doce meses del año y que traen a España a grandes músicos y cantantes de la esfera internacional. Pero Madrid no podía ser menos, y en cuestión de meses se ha visto cómo los festivales han aflorado en la ciudad. Han venido para quedarse. Madrid es también capital de festivales. 

Cartel de 'El día de la música Heineken 2011'

Muestra de ello la consolidación de ‘El día de la música’ que deja de ser día para convertirse en 48 horas de músicas, con un cartel que no deja lugar a la duda. Vestusta Morla, que acaba de dar a conocer su nuevo disco, ‘Mapas’, al igual que Russian Red que también estrena álbum. A ellos se suman  The Pains of Being Pure at Heart, Likke Ly, Crystal Fighters, Ellos, Pony Bravo, Glasvegas… dos días de música que finalizarán con la presentación de ‘La película de día de la música Heineken’ en el Teatro Circo Price de Madrid y que pondrá colofón final con conciertos de Supersubmarina, Russian Red y The Last Dandies. ¿Es o no es un perfecto ejemplo del mejor modo de hacer de un festival? Buena música, el mejor ambiente, en el entorno creativo del Matadero de Madrid, y un buen precio (24 euros por un total de 10 artistas). ¿Qué más se puede pedir? Pues que cuatro días después Madrid vuelve a albergar un nuevo festival. Esta vez se trata de un estreno, un oportunidad nueva de música en la capital, el DCode Festival. Lori Meyers, The Ting Tings, L.A., My Chemical Romance, The Sounds, Zombie Kids, Kasabian, Polock…una lista casi interminable de buena música para el 24 y 25 de junio. Los jóvenes volverán por unas horas al campus universitario de Moncloa para celebrar en el Centro Deportivo Cantarranas la primera edición de lo que ya parece ser un evento musical de referencia.
Cartel de 'dcode Festival 2011'

No hablamos, pues, de no atender a la extensa agenda de festivales que los meses de verano nos tienen preparados, sino de observar que Madrid puede ser muchas cosas, y ahora también es cuna para el nacimiento y desarrollo de numerosos festivales. Madrid es música, y en mayo lo vuelve a demostrar, con eventos que no van a dejar a nadie indiferente. 

martes, 3 de mayo de 2011

Crítica CINE// Maddin evoca (de nuevo) al silencio en blanco y negro




Hannah Mitchell// Guy Maddin da un golpe en la mesa y ensalza la delicada y sensual esencia del suculento cine en blanco y negro, otra vez (gracias). El escenario de tal alumbramiento, causante de una vorágine de sentimientos encontrados, no ha sido otro que El Festival de Cinema d´Autor de Barcelona (D´A 2011 para los amigos), cuyos asistentes fueron agraciados durante el pasado fin de semana con una retrospectiva del director canadiense cuyos ejercicios indefinibles  le transportan a uno hacia historias verosímiles acolchadas con el material del que se hacen los sueños: blanc, noir et le silence.
Palabras, me sobráis. Maddin invoca al silencio, y justo después a la carcajada, surgiendo así una lucha constante entre ambos  que queda suspendida en las filmotecas cada vez que proyectan  piezas tan deliciosas como 'Dracula: pages of a virgin's diary' (2002) o 'The saddest music in the World' (2003).Y es que el cine de Maddin está lleno de humor y chascarrillos (mejores que los de ese ser que se hace llamar Torrente, en cualquiera de sus cuatro versiones).
Y entonces llega ‘My Winnipeg’, oda a otra triste ciudad  Americana. La lectura poética de cada plano, cada calle, cada puente, cada edificio aparentemente gris y sombrío;  desmarca a este documental sobre sensaciones de cualquier otro intento fallido por captar la esencia de una ciudad, americana o no.  
El  pasado domingo todos respiraron aquellos locos años veinte, los mismos que lleva reviviendo éste demente canadiense las últimas tres décadas. Treinta años de héroes, detectives, madonnas y rasgos autobiográficos que revelan verdades como puños sobre su persona. Es un soñador.
Fotograma de la película `The sadest music in the world' 


'Brand upon the brain!' (2006), incluida en la retrospectiva,  se desarrolla en un entorno muy ‘bucólico para no dormir’ (un faro, una playa y memorias en doce capítulos) y cuenta otra historia de terror (bastante alejada de películas tipo Saw y todas y cada una de sus putrefactas secuelas) con  dejes que sumergen al espectador en el surrealismo más absorbente  Empezando por ese héroe autobiográfico que vuelve a casa tras una prolongada ausencia  con la única misión de pintar el faro que su madre regentaba. Una madre al estilo de la histriónica Maria Antonia San Juan en La que se avecina. No es una chica Almodóvar, es una chica Maddin.

Para todos aquellos que pecáis de tener tiempo libre, sepan ustedes que el genio canadiense es mucho más que sus dos títulos conocidos. ¿Por qué no podéis dejar pasar la oportunidad de beber de las fuentes de su locura?  Porque su cine en cien por cien apetecible, del que le hace a uno olvidar cómo está hecho, o los porqués de ciencia ficción, hace olvidar. ¡Viva el  cine que apela al corazón del espectador! 

lunes, 2 de mayo de 2011

Crítica TEATRO// Falstaff: 1403, aquí y ahora

Javier Calderero// Ayer domingo, las aventuras del viejo Falstaff se pudieron ver por última vez en el teatro Valle Inclán, en la madrileña plaza de Lavapiés. Una revisión contemporánea de uno de los personajes más recurrentes, y queridos, de las obras históricas de William Shakespeare.
La adaptación de Marc Rosich dirigida por Andrés Lima, pone como protagonista a este gordinflón, borracho y vividor, que hace las veces de compañero de fiesta del príncipe Enrique, heredero de la corona inglesa. Bajo esas canas y una prominente nariz, se esconde la figura de un extraordinario Pedro Casablanc, que consigue conectar con el público del patio de butacas. Su humor, sus mentiras, e incluso su humanidad, no pueden dejar indiferente a nadie.
Junto él, otros actores de la talla de Raúl Arévalo, Alfonso Lara, Carmen Machi o María Morales, dan vida a unos personajes divididos entre el mundo de la nobleza inglesa y los fijos de la taberna ‘La cabeza del jabalí’. Muchos de ellos, interpretan a dos personajes de estas distintas realidades creando antagonismos. El montaje permite que, incluso, los cambios de vestuario se hagan a la vista del espectador. Es sorprendente ver, por ejemplo, a Carmen Machi pasar de ser la vulgar tabernera Doña Rauda, a convertirse en el arzobispo de York poniéndose simplemente una alfombra. Da la sensación que todos estos vaivenes se hacen con una total libertad sobre el escenario. Mientras se tiran pelucas, camisetas o pantalones, los actores bailan o saltan al son de la música de Nick Powell. Aún así, una de las cosas más llamativas es la figura de ‘El Rumor’, interpretado por el propio Lima. Este personaje, que un principio puede parecer un mero narrador, irrumpe en escena colocando y descolocando todo a su antojo.
‘El Rumor’ sitúa la acción en “Inglaterra 1403, aquí y ahora”. Una historia de hace seis siglos llevada a la época actual. Las mentiras, el honor, la traición, el sexo o el alcohol, parece que no tienen edad, y un personaje como el de ‘Falstaff’ tampoco.

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Teatro Valle Inclán, 18 de marzo a 1 de mayo de 2011
Duración: 3 horas aproximadamente
Adaptación: Marc Rosich y Andrés Lima
Dirección: Andrés Lima
Reparto: Chema  Adeva, Raúl Arévalo, Jesús Barranco, Sonsoles Benedicto, Alfonso Blanco, Pedro Casablanc, Alfonso Lara, Andrés Lima, Carmen Machi, Rebeca Montero, María Morales, Rulo Pardo, Ángel Ruiz, Alejandro Saá.

miércoles, 27 de abril de 2011

CRÍTICA FOTOGRAFÍA// La extraordinaria vida corriente.

Laura Martín Sastre// La ubicación elegida para esta exposición ya impone un halo de belleza, de invitación a descubrir el proyecto fotográfico de Enrique Muda y Luis Pereira, descubriendo al mismo tiempo, los quehaceres de los cielos de Madrid.
En la Azotea del Círculo de Bellas Artes se observan los tejados que reinan la Gran Vía y la inacabable Alcalá, entre coches y viandantes, un retrato del puro realismo de la gran ciudad. Un paisaje parecido al que podría observarse desde la azotea de la Casa Milà en la ciudad condal. Éste ha sido el espíritu que Muda y Pereira han querido reflejar en su última exposición fotográfica, la vida a pie de calle en las ciudades de Madrid y Barcelona.
Ambos artistas han creado en la azotea del CBA un recorrido que permite descubrir la captura de imágenes del acontecer diario en las calles, líneas que conforman el mapa de las vidas de millones de personas, de quehaceres que se convierten en sublimes ángulos, algunos de doble lectura, con un juego de blancos y negros que se mezclan con los colores callejeros de estas dos ciudades. Extraordinario trabajo, enmarcado en un realismo que adquiere el divertimento en los títulos de cada una de las fotografías, reflexivo donde las personas anónimas y las situaciones corrientes son transformadas en una mirada excepcional, reflejo de que el arte se encuentra en cada pequeño gesto en el pleno movimiento de las gentes, en la vida corriente, que tal y como muestra esta exposición, no puede ser más extraordinaria. El Barcelona vivo y repleto de color, el Madrid de una blanco y negro clásico y sincero, dos miradas de dos ciudades, dos cámaras que reflejan que, en el ritmo vital de las personas, estas dos ciudades no pueden parecerse más.




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FICHA TÉCNICA
Exposición Fotográfica ‘A pie de la calle’, de Enrique Muda y Luis Pereira
Hasta el 1 de Mayo de 2011.
Lugar: Azotea del Círculo de Bellas Artes.

lunes, 25 de abril de 2011

Opinión // ¿Cuál es tu película de terror favorita?

Javier Calderero// “Nueva década, nuevas reglas”. Con esta frase se está promocionando la cuarta entrega de la saga de terror más importante de los 90, “Scream”. Y es que fue hace 10 años también cuando se estrenó la tercera, y hasta entonces, última parte. Sin embargo, ¿se puede hablar de algo novedoso?
En su momento, “Scream” consiguió que me convirtiera en un fanático del cine de terror y que me atrajeran los clásicos de este género, como la constantemente mencionada “La noche de Halloween”. Ahora, con unos años más a la espalda, creo que ir a ver las últimas hazañas del asesino Ghostface era una cita de obligado cumplimiento, y si encima cumplía lo que prometían, cosas nuevas, mejor que mejor.
Tras unos minutos iniciales, en los que tengo que confesar, disfruté bastante, sobre todo con la secuencia protagonizada por Anna Paquin y Kristen Bell, durante el resto del metraje me parecía estar viviendo un Deja-Vu. Realmente tendría que decir que viví dos, porque me parecía estar viendo una mezcla entre la primera entrega de 1996 con toques de la parodia “Scary Movie”. De hecho me reí bastante. El asesino, aparte de matar muy bien, sabe cómo sacar una carcajada al palco).
Scream 4 es una obra que trata volver a los orígenes pero cambiando los teléfonos móviles que parecían ladrillos, por las conexiones a Internet y las redes sociales. Aunque el asesino lleve la misma máscara, también tiene derecho a modernizarse y tener followers en Twitter, ¿no? Lo que no me quedó realmente claro es si lo de vender las “nuevas reglas” se refería a esto, o a cambiar el aquello de “sobrevives si eres virgen” por un “ahora sobrevives si eres gay”.
Sin embargo, aunque cualquier persona con dos dedos de frente, al leer las líneas anteriores, pueda creer que la puñalada me la habría dado yo mismo en la butaca, soy un poco masoquista y salí del cine con un buen sabor de boca. Ver otra vez a Dewey, Gale Weathers o Sidney Prescott no tenía precio (miento, 7’10 € costaba la entrada). Además, me llevé una gran alegría cuando vi que, después de años y años de adolescentes siendo víctimas de asesinos en serie, POR FÍN (y lo tengo que poner en mayúsculas), hay alguno que sabe defenderse y no sólo le pide a su asesino que no le mate. Bueno, puede que Neve Campbell ya no sea tan adolescente, pero por lo menos se ha visto un par de veces la película de Karate Kid o ha dado clases de defensa personal, y es capaz de  hacer frente al asesino.
De la nueva generación, destacaría a quien yo acabé denominando “la niña del exorcista”. No desvelaré su nombre para que aquellos que vayan al cine puedan descubrirlo por ellos mismos. Pero regala unos momentos que deberían formar parte de la Historia del cine. ¡Eso sí es saber hacer reír en el momento de mayor climax! Sin embargo, yo me quedo con Hayden Panettiere. La rubia sabe robarle el protagonismo a la prima de Sidney, Emma Roberts.
Scream 4 se ha convertido en el remake de la entrega original. Ahora los referentes no son “Pesadilla en Elm Street”, “Viernes 13” o “La noche de Halloween”, sino la cultura que se ha creado en torno a la propia saga de “Stab (Puñalada)”, las películas que se basan en Sidney y los asesinatos de Woodsboro. Aunque Ghostface intenta superar lo que en su día hicieron Stu y Billy, yo me quedo con que es una película que ha sabido reírse de sus propios tics pasados.

lunes, 11 de abril de 2011

CRÍTICA// La misión de Katy B: acabar con David Guetta

                                 Con 21 años, Katy B se postula como el nuevo icono dance de las listas europeas


Hannah Mitchell// Cuando parecía que jamás íbamos a librarnos del monopolio Dance del (para nada comercial y repetitivo)  David Guetta y temblábamos al ver cómo Rihanna parecía que -de la forma más travesti posible- había llegado para quedarse en este género, llega una post adolescente británica de 21 primaveras  y catapulta cinco de sus temas dentro del top 10 inglés. Esta semana Katy B ha dado a luz su primer retoño, ‘On a Mision', vertiendo así un tímido rayo de luz y esperanza entre el magma comercial de bases mediocres, látex, cuero y  chicas trofeo, o lo que es lo mismo, el Dance con el que nos alimentan a través de la radio y esos videocplips tan poco católicos y originales a partes iguales.

Pero esta novata no es del todo desconocida. Los amantes del dubstep (aquel que no sepa lo que es que haga como yo una visitilla a wikipedia) pudieron descubrirla gracias a 'Perfect Stranger', single de los  -para muchos todopoderosos- Magnetic Man. Aquellos que no somos muy  sibaritas de este género, seguimos experimentando con un muy acertado primer disco cuyo buque insignia es el éxtio 'Katy on A Mision',  inteligente adaptación del dubstep para borregos.

Bases electro y  reminiscencias reggae  son los únicos denominadores comunes de 'On a Mision', que con premeditación y alevosía ha introducido temas noventeros como  ‘Witches Brew’o  'Hard To Get’(seguramente los que tú y yo acabemos bailando en cualquier garito oscuro y postmoderno) . Y es que por muy auténtico que uno pretenda ser, el beneficio parece ser lo primero, y Katy B (muy bien asesorada) no iba a quedarse atrás. Su primer trabajo, sin abandonar la bandera dubstep,  y seguramente con el objetivo de llegar a la masa sin dejar de creerse especial, está empapado de la estela que han dejado iconos británicos tales como Ms Dynamite o Everything But The Girl. 

Los precipitados que ya la han bautizado como la diva del funky británico tienen la posibilidad de someterla a examen en cualquiera de los diez conciertos que ha cerrado en su gira en abril por UK.


miércoles, 6 de abril de 2011

OPINIÓN // ¿Para qué sirve el cine español?

Javier Calderero// Hoy miércoles han salido las cifras sobre la recaudación que hizo la española ¿Para qué sirve un oso? en su primer fin de semana. Esta, aunque lejos de ser un desastre, no ha sido suficiente para catalogarla como un éxito, a pesar de contar con la ventaja de llevar a sus espaldas el sello del Festival de Málaga y su palmarés.

En él, el presidente Fapae (Federación de Productores Audiovisuales de España), Pedro Pérez, aseguró que la taquilla del primer cuatrimestre del 2011 mejoraba en un 134% con respecto a la del año anterior en este mismo periodo. Les dejo un segundo para cerrar la boca. ¿Qué ha pasado? Tranquilo. España no ha cerrado las fronteras. Simplemente ha sido un nombre, Torrente. La película de Segura ya ha conseguido amansar en 4 semanas más de 18 millones de euros, cifra que según la adorada (momento para risas) ministra de cultura, Ángeles González-Sinde, cree que puede llegar a ser superada antes de que acabe el año porque “hay espectadores para todo y días para todo", según sus propias palabras.

     La ministra González-Sinde y Alex de la Iglesia en los Goya 2011// Fuente: RTVE

Yo no sé si cada vez que habla sube el pan o no, pero en esta ocasión hay que reconocer que palabras más acertadas no podían haber salido de su boca. Si no hubiera espectadores y días para todo, ¿cree en serio que alguien hubiera ido a ver aquella sucesión de drogas, sexo y más drogas que ella misma guionizó? Mentiras y gordas se llamaba…
Con esto no quiero decir que el cine español sea malo ni entrar en esos debates. Simplemente hay de todo en la viña del señor. Pero creo que, oye, por una vez, vamos a intentar que nuestra ministra saque pecho y que alguna película española supere la recaudación de Torrente 4. No alarmarse, sé que es muy difícil, imposible diría yo. Pero vamos a hacer un favor a Sinde (el primer y el último) y cuando nos apetezca ir al cine a ver una película que no nos eche para atrás nuestro propio sello. Este trimestre ha habido películas españolas muy buenas como También la lluvia, Chico & Rita o Primos (Sánchez Arévalo, como se que vas a leer esto, sólo decir que ha sido una comedia impecable. Y por cierto, cuando salgas de fiesta con los “primos”, avísame que te sigo en Twitter y me apunto), algunas entretenidas como No te muevas (desde aquí reivindico un spin off de Juancarlitros YA) u otras…. como La daga de Rasputín (¿pero no hay gente que paga también por ver cosas como Disaster Movie o sus variantes?).
En los próximos meses pasará lo mismo. Habrá películas buenas, regulares y otras que nadie debería ver ni aunque te regalaran la entrada o te pusieran un piso en la playa (bueno, en este caso a lo mejor habría que pensárselo), pero tanto españolas como procedentes de Hollywood.
Parece que con estas reflexiones estamos poniendo un cuchillo a los espectadores para que consuman cine español y no. Simplemente, que hay cosas buenas que dejamos pasar. Que como Sinde se enfade, y no vea algo que le haga la más mínima sobra a Torrente, se pondrá a escribir un nuevo y sorprendente guión para intentarlo por ella misma y nos tendremos que escandalizar con Mentiras y Gordas 2, o luego Mentiras y más gordas, o incluso, Más mentiras y más gordas. Que ya sabéis que las secuelas están de moda. Yo sólo aviso.

lunes, 4 de abril de 2011

Crítica CINE // Howl, una excusa lírica para experimentar.



Laura Martín Sastre// El inicio, en blanco y negro, con un James Franco que esconde tras sus gafas la timidez, a medias tintas, de Allen Ginsberg, poeta que en los años 50 se convertía en icono de la ‘generación beat’, ya aventura lo que depara este aullido fílmico. A la parte monocromática, basada en una entrevista donde todo el protagonismo se centra en él, con planos fijos de un hombre que se pierde entre respuestas reflexivas y cigarrillos, (lo que no añade más que una visible lentitud) se le añaden animaciones que ponen trazo y color a las frases, repetidas una y otra vez, del polémico poema del autor, eje central de esta inquietante ‘biopic’ que, por otro lado, engalanan el film con un aire, a veces, turbador, que se hace eco de la vena más experimental. Por otro lado, y de forma accesoria, aparecen flashbacks de la vida del autor, que reflejan de nuevo lo relatado por el poeta durante la entrevista en su casa, así como la lectura del poema, imágenes que son distribuidas a lo largo del film, y cuyas palabras finales se convierten en instante último del mismo. 
Homosexual enamorado, de prolífica rebeldía, dirigiendo la represión que le agolpa hacia sus versos y poemas, bajo el prisma de un surrealismo magnético, propio de todo genio que se precie, las palabras de Ginsberg son acompañadas de la reproducción del juicio que se celebró por la publicación del poema, material ‘supuestamente’ obscenno, y que elabora una interesante reflexión sobre el significado y significante del arte, de los versos y la censura de aquellos días, con las gratas interpretaciones de Jon Hamm o David Strathairn. El film, un conglomerado de experimentación y originalidad, permite al espectador conocer la realidad de una generación a la que el cine no ha terminado de retratar, y que no pretende en ningún momento convertirse en autobiografía cerrada del poeta, dejando que Howl se haya convertido en el regalo perfecto para James Franco, en un papel que ahora sí justificaría cualquier nominación por este trabajo.


*publicada en Punto de Encuentro Complutense el sábado 2 de abril de 2011.